Paisagem em construção
O lugar, que antes era definido pelos limites impostos por paredes, agora não tem mais nada. É a luz, em tons de amarelo, laranja e vermelho, que toma todo o espaço, parecendo escorrer de cima para baixo. É agora nessa parede de luz que nossos olhos encontram o limite. No meio do caminho está uma escada em caracol, que não leva mais a lugar nenhum. E uma porta com o batente, que ainda se mantém em pé, não se sabe por quanto tempo, mas que já não serve para nada. O que restou de grades e janelas está encostado em um canto. Nada disso tem mais serventia. Não há mais dentro e fora, em cima e embaixo. Não há do que se proteger ou através do que olhar. No chão, o indício de que ali existiu uma construção. Os entulhos – esses sim uma presença de traços firmes – se misturam com um pouco de grama e areia de um jardim que parece tentar resistir, não se sabe há quanto tempo e nem por quanto tempo.
Luz em Túlia é a tela que dá nome à segunda mostra individual de Alessandra Duarte na Zipper Galeria e nos faz lembrar da definição primeira de paisagem: espaço que se abrange em um lance de vista. Qualquer lugar pode ser paisagem desde que se tenha alguém olhando para ele. É a presença humana que caracteriza a paisagem. Nas telas de Alessandra Duarte, a presença humana são rastros, vestígios, que aparecem, se repetem e se sobrepõem a todo momento. Se sua produção anterior era marcada pelo convívio de uma forte arquitetura moderna com grandiosos jardins a la Burle Marx, cada um ocupando seu espaço cuidadosamente calculado, agora é no que restou de seu antigo ateliê, demolido, que a artista encontra lugar para sua pintura.
É nesse lugar tomado por entulhos e restos que estão elementos da natureza e da arquitetura misturados. A figura humana, que antes mais parecia ocupar um papel secundário, tendo como função dar a escala de grandeza de tudo o que estava a sua volta, não aparece mais nas telas. É sua ausência que afirma sua presença, construída pelos rastros e vestígios deixados nos lugares. E também é de rastros e vestígios que a pintura de Alessandra Duarte se constrói. Linhas decididas que parecem duvidar em alguns momentos, cores que se mantém uniformes até chegar ao limite, uma luz que parece fazer força para estar ali, ou, ao contrário, parece estar indo embora aos poucos. Nada está inteiro, nada é uniforme em uma pintura que parece ser feita de pequenos acontecimentos, inúmeros e sucessivos.
Entre os trabalhos chama atenção Se entranha, uma paisagem pintada em formato vertical – proporção destinada a outro gênero clássico da pintura: o retrato. Uma paisagem personificada. Uma paisagem-coisa, objeto, passível de construção. Talvez por isso a jovem artista tenha se interessado em ir de fato para o espaço e construir suas próprias paisagens. No conjunto de fotografias que completam a exposição, restos de demolições são tomados por intervenções de cor e sensações de rastros luz. Ao se gruparem em duplas ou trios, essas imagens buscam se distanciar do lugar onde foram feitas e construir significados nas relações entre elas, criando assim novas paisagens possíveis.
E construção parece ser outra palavra-chave aqui. Talvez não à toa a última tela em exposição a ser pintada, A Maré em Túlio, como o nome anuncia tem sua superfície tomada pelo o que parecem restos de construção, amontoados em uma grande massa que parece se movimentar como uma onda. Se sua presença é marcante pelo conjunto, também chama atenção pelo tratamento individualizado dado a cada um dos elementos que a constituem. Cada pedaço traz em si a marca da sua construção, que parece não ter acabado ainda. Linhas firmes se misturam ao branco da tela não preenchido, a espaço preenchidos de maneira mais afirmativa ou ainda em dúvida, e traços que parecem perder a certeza, ou a força ao longo do caminho. Talvez por isso a tela pareça mexer. E talvez por isso só nela apareça a figura humana tentando entrar.
Fernanda Lopes
Rio de Janeiro, Fevereiro de 2013
Alessandra Duarte
Ficar fora ajuda a olhar para dentro. Nos 4 anos em que passou em Nova Iorque, estudando no Bard College, Alessandra Duarte desacostumou seus olhos do caos tropical misturado com cimento que define a paisagem de grandes cidades brasileiras: “minha faculdade era bem afastada da cidade, praticamente no meio do nada. Com isso, passei basicamente quatro anos morando dentro de uma floresta habitada. Voltar a São Paulo foi um choque enorme, uma vivência dentro do concreto. Essa diferença de ambientes e a junção dos dois ficaram na minha cabeça.”
Interessantemente, nessa declaração a artista vincula a floresta aos Estados Unidos e o concreto ao Brasil, uma inversão dos estereótipos. E é a arquitetura modernista, aquela homenageada na exposição Brazil Builds, de 1943,no MoMA de Nova Iorque, que aparece como principal personagem das telas recentes de Alessandra Duarte. Nas pinturas da época do Bard College, o assunto principal é a figura humana, retorcida numa referência a Francis Bacon. Abaixo do Equador, a angústia baconiana é o aperto dos cipós coloridos recobrindo relíquias arquitetônicas do modernismo brasileiro.
No Brasil, a arquitetura moderna teve seu clímax durante uma ditadura, como parte de um projeto de consolidação da imagem do Brasil como nação industrializada. Foi sob os auspícios do Estado Novo que nomes como Oscar Niemeyer, Affonso Reidy e Lucio Costa sonharam as cidades e casas de uma sociedade nova, um desses paradoxos brasileiros tão surpreendentes quanto o prédio de concreto armado embrulhado pela selva, a integração dos azulejos azuis de Portinari -- atados à tradição do barroco -- aos 5 pontos de Le Corbusier em prédios como o do antigo Ministério da Educação e Saúde, no Rio de Janeiro, ou a ideologia comunista de Niemeyer convivendo com a ditadura getulista.
Emborar espaldado por um governo reacionário, nem só de Brasília ou Pampulha viveramas utopias desenvolvimentistas dos anos 50. O Conjunto Pedregulho (1946-1952), no Rio de Janeiro, atesta a vontade dos arquitetos de construir moradias justas, integradas a escolas e centros de lazer e dar-lhes uma forma inovadora, estrutura nova para uma sociedade igualitária. A utopia social definhou em algum gabinete de um prédio modernista feito por candangos no cerrado. A formada arquitetura modernista, no entanto, sobreviveu nos grandes centros urbanosmajoritariamente em casas cujo luxo está justamente nas linhas limpas, grandesjanelas de vidro, concreto aparente, integração do interior e exterior, comtudo do melhor do International Style. Nossos grandes arquitetos continuaram a seguir a cartilha da arquitetura moderna, mas desencantaram-se do sonho social. Daí a leitura que proponho, da angústia de um cipó amarrado na garganta do prédio, do esvaziamento da ideologia social que nasceu na fundação da arquitetura modernista brasileira, como a angústia da perda de um irmão gêmeo.
A figura humana ainda aparece nas telas de Alessandra Duarte, mas reduzida a uma miniatura, frágil, sem fibra -- de fato, parecem bonequinhos desenhados com linhas em projetos arquitetônicos da época em que eram rascunhados à mão para sugerir a noção de escala, mas nas pinturas de Alessandra Duarte definem uma escala totalmente distorcida, com prédios gigantescos em comparação com os corpos. Afragilidade das figuras reforça ainda um lamento, um desencantamento.
O cenários são os jardins de casas luxuosas de arquitetura correta, aquele luxo de saber que bom gosto combina com modernidade. Esses habitantes ou espectros de habitantes de jardins que devem ter a grife Burle Marx não fazem mais festas, não servem coquetéis nos terraços, não se bronzeiam ao sol. Ao contrário, caminham solitários pelos imensos jardins, bóiam de bruços na água, como se tivessem desistido e se deixassem afogar, equilibram-se nas bordas de piscinas gigantescas. A grama atravessa seus minúsculos corpos como se fossem fantasmas, que voltam dos anos 1940 para examinar as ruínas do sonho da arquitetura modernista. Brazil built, keeps building e a nação consolidou-se, mantendo no entanto a separação drástica entre casa grande e senzala.
Alessandra Duarte formou-se em Artes Plásticas no Bard College, em Annandale-on-Hudson, subúrbio de Nova Iorque em 2007. Desde então participou do Programa de Exposições do Museu de Arte de RibeirãoPreto (2011), da mostra coletiva Até Meio Quilo, que percorreu várias cidades do Brasil em 2011 e da coletiva Auto Serviço de Livros (Espaço G, Valparaiso,Chile e Galeria Vermelhos, São Paulo, Brasil). Sua primeira exposição individual no Brasil foi Já Vou (2011), com curadoria de Mario Gióia, na Zipper Galeria.
Paula Braga, 2011
Já Vou
“Somos o tempo. Somos a famosa/parábola de Heráclito, o Obscuro./ Somos a água, não o diamante duro,/ a que seperde, não a remansosa./ Somos o rio e também aquele grego/ que se olha no rio.Seu reflexo/ varia na água do espelho perplexo,/ no cristal, feito o fogo, sem sossego./ Somos o inútil rio prefixado,/ rumo a seu mar. A sombra o tem cercado./ Tudo nos disse adeus, tudo nos deixa./ Na moeda a memória não perdura./ E no entanto algo ainda dura,/ e no entanto algo ainda se queixa."1
Águas, mares, piscinas de desenhosorgânicos construídos com apuro. Bosques, campos e jardins de paisagismo ordenado. Azul e verde. A obra de Alessandra Duarte passeia, chamativa e sedutora, por esse par cromático e por elementos que remetem à fluidez aquática e ao telúrico mais básico, de forte elo com o solo de onde o verde salta. Jorge Luis Borges (1899-1986) já assinalara no poema São os Rios (1985) a imagem algo à deriva, dissolvida em reflexos ou correndo para a horizontalidade do oceano, e que diz muito sobre a condição humana.
Em pinturas e desenhos, Duarte por vezes funde o azul e o verde, resultando em operações de cor que tornam-se um dos principais atrativos de telas como 24 de Junho e Já Vou, esta que dá título ao début da artista paulistana em individuais na sua cidade natal. Na primeira, Duarte utiliza o vermelho como cor que deixa o status de base e funciona para iluminar, nas partes superior e central da tela, a composição repleta de faixas horizontais. E em Já Vou, o verde e o azul-claro predominam, mas o marrom dos óculos de mergulho da figura central do quadro cria um interessante foco de atenção.
Sim, são muito importantes as formas humanas dentro das paisagens realizadas pela artista. Nessas duas telas,de tamanho generoso - 24 de Junho mede 2 m x 1,30 m-, a natureza própria do mar, como um ambiente harmônico que pode se transformar em instável a qualquer momento, ainda é mais alterado pela presença humana que parece querer dominar a situação (e, no entanto, tal comando parece ser fugidio).
As paisagens construídas ganham outro nível de leitura em pinturas como Caminhos e All That Baggage..., nos quais a presença mínima das pessoas sucumbe ao edificado, como testemunho do engenho humano, no primeiro trabalho, e parecem ínfimos frente ao avançar da natureza, no segundo trabalho. “Quem nasce num porto de mar, tem uma educação peculiar. Há uma visão das virtudes da natureza, dos seus fenômenos, mas também das engenhosidades humanas [...] Acostuma-se a ver a natureza não como uma simples paisagem, mas sim como um conjunto de fenômenos”2, destaca o arquiteto Paulo Mendes da Rocha.
Duarte não viveu em uma cidade portuária, mas sua graduação no Bard College, em Annandale-on-Hudson, num campus bastante típico dos EUA em sua implementação, com construções espalhadas por um grande espaço verde e longe da agitação de Nova York, fez com que a volta para a árida e ruidosa São Paulo não fosse tão rotineira. “Minha faculdade era bem afastada da cidade, praticamente no meio do nada. Com isso, passei basicamente quatro anos morando dentro de uma floresta habitada. Voltara São Paulo foi um choque enorme, uma vivência dentro do concreto. Essa diferença de ambientes e a junção dos dois ficaram na minha cabeça”, diz ela.
Esse lidar dual entre natureza e artifício também é percebido fortemente nas novas séries de pinturas e desenhos da artista. Os prédios parecem ganhar mais forçae as linhas, projeções e planos arquitetônicos se mesclam com mais complexidadee pulsam com importância clara em suas composições. Algo que se aproximada temática do alemão David Schnell - visto em SP na injustiçada mostra Se Não Neste Tempo, no Masp, encerrada em janeiro último e que também trouxe os ótimos Tim Eitel e Eberhard Havekost, sem contar os Richter, Gerhard e Daniel, entre outros. O escocês Peter Doig, a norte-americana Amy Sillman e a sueca Sigrid Sandström também têm forte eco na produção da jovem artista.
Manifestando com força sua prática pictórica contemporânea, Duarte renova, com tal obra, postulados que grandes artistas como Josef Albers (1888-1976) - mestre no BlackMountain College, onde estudaram nomes como Eva Hesse (1936-1970) e Robert Rauschenberg (1925-2008) - desenvolveram tempos atrás. “Deveríamos aplicar a compreensão que Albers tem da cor à nossa compreensão dele, pois palavras e a tentativa de pontuar a diversidade não dão conta disso. A variabilidade é nossa única certeza. O artista costumava dizer que duas pessoas não produzem representações idênticas ao ouvir a palavra ‘vermelho’. Assim como os controles da linguagem, no todo, a precisão e o sistema de Albers serviram apenas para levar ao mistério e celebrá-lo. Ao que parece, aceitar e fruir essa ambiguidade é a grande mensagem dessa poesia do laboratório” 3, escreve Nicholas Fox Weber. Inquietude, mistério e poesia, elementos que Alessandra Duarte sabe manejar bem.
Mario Gioia
Graduado pela ECA-USP (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo), foi o curador, em 2011, de Presenças (Zipper Galeria), inaugurando o projeto Zip Up, destinado a novos artistas.Em 2010, fez Incompletudes (galeria Virgilio), Mediações (galeria Motor) e Espacialidades (galeria Central), além de ter realizado acompanhamento crítico de Ateliê Fidalga no Paço dasArtes. Em 2009, fez as curadorias de Obra Menor (Ateliê 397) e Lugar Sim e Não (galeria Eduardo Fernandes). Foi repórter e redator de artes e arquitetura no caderno Ilustrada, no jornal Folha de S.Paulo, de 2005 a 2009, e atualmente colabora para diversos veículos, como as revistas Bravoe Trópico e o portal UOL, além da revista hispano-portuguesa Dardo. É coautor de Roberto Mícoli (Bei Editora) e faz parte do grupo de críticos do Paço das Artes.
1. BORGES, Jorge Luis. Poesia. Companhia das Letras, São Paulo,2009, p.378
2. GIOIA, Mario. Cidades Velhas. Folha de S.Paulo, caderno Mais,19.abr.2009, p.4
3. DANILOWITZ, Brenda (org.). Josef Albers – Cor e Luz, Homenagem aoQuadrado. Instituto Tomie Ohtake/The Josef & Anni Albers Foundation,São Paulo, 2009
Landscape in construction
Place, previously defined by its wall-imposed limits, now has nothing. It is light, in tones of yellow, orange and red, that fill the whole space, seemingly seeping downwards. Now it’s on this wall of light that our eyes find the limit. On the way, a spiral staircase that leads nowhere. And a door, with its frame, still upright, for how long no-one knows, but that no longer serves any purpose. The remains of railings and windows resting in a corner. None of it of any use. There is no more inside or outside, above or below. There is nothing from which to protect oneself or through which to look. On the floor, a sign that there had been a construction there. Rubble– this really does display firm traits – mixed with a bit of grass and sand from a garden that appears to be trying to resist, who knows for how long or how much longer.
Luz em Túlia is the painting that gives its name to Alessandra Duarte’s second solo exhibition at Zipper Gallery and brings to mind the primary definition of landscape: extensive space at a glance. Anywhere can be a landscape, provided there is someone looking at it. It is human presence that characterizes landscape. Human presence, in Duarte’s pictures, is represented by traces and vestiges that are constantly appearing, repeating themselves and overlapping. Whereas her earlier work was marked by the presence of modern architecture with grandiose gardens à la Burle Marx, each occupying its own carefully calculated space, now it is in what remained of her old, demolished studio, that the artist finds place for her painting.
It is in this place strewn with rubble and remains that we find a mixture of the elements of nature and of architecture.The human figure, which beforehand seemed to occupy a secondary role, with the function of conferring the grand scale of everything that was around it, no longer appears in the paintings. Human absence affirms its presence,constructed by the traces and vestiges left in the places. And it is also from traces and vestiges that Alessandra Duarte’s painting is constructed. Decisive lines that seem to doubt at times, colours that remain uniform until reaching the limit, a light that seems to make an effort to be there, or, on the contrary, seems to be slowly going away. Nothing is complete, nothing is uniform in a painting that seems to be made from small, countless and successive happenings.
Among the works one’s attention is drawn to Se entranha, a landscape painted in a vertical format – a perspective meant for another classical genre of painting: portrait. A personified landscape. A landscape-thing, object, that could perhaps be constructed. Perhaps this is why the young artist became interested in actually moving into space and constructing her own landscapes. In the set of photographs that complete the exhibition, demolition rubble is appropriated by interventions of colour and sensations of light trails. Grouped into twos or threes, these images attempt to distance themselves from the place they were made and build meanings in the relations between them, thus creating new possible landscapes.
And construction seems to be another key word here. Perhaps not by chance, the final painting on the show to be painted, A Maré em Túlio, as the name announces, has its surface covered by what appears to be construction scraps, piled u pinto a big mass that seems to be moving like a wave. While as a set, the paintings have a striking presence, the individualised treatment given to each of the constitutive elements also catches the eye. Each piece brings within it the mark of its construction, seemingly unfinished. Firm lines scrambled into the white of the unfilled canvas, the spaces filled in a more assertive manner or still in doubt, and lines that seem to lose their certainty, or strength along the way. Perhaps that is why the painting seems to be in motion. And perhaps that is why, the human figure only appears in it trying to enter.
Fernanda Lopes
Rio de Janeiro, February 2013
Alessandra Duarte
Being outside helps to look inside. In the 4 years spent in New York, while attending Bard College, Alessandra Duarte’s eyes grew unaccustomed to the tropical chaos mixed with cement that defines the landscape of large Brazilian cities: “my college was far away from the city, practically in the middle of nowhere. With this, I basically spent four years living in an inhabited forest. Coming back to São Paulo was a huge shock for me, a living experience inside the concrete. This difference of environments and the junction of both stayed in my head.”
Interestingly, in this statement the artist links the forest to the United States and the concrete to Brazil, an inversion of stereotypes. And it is the modernist architecture, the one honored New York’s MoMA exhibition Brazil Builds, from 1943, which comes up as the main character in Alessandra Duarte’s recent work. In the paintings from her time at Bard College, the main subject was the human figure,twisted as in reference to Francis Bacon. Bellow the equator, the Baconian anguish is the clench of the colored vines covering architectural relics fromBrazilian modernism.
In Brazil, modernist architecture had its climax during a dictatorship, as part of a project that sought to consolidate Brazil’s image as an industrialized nation. It was under the auspices of the Estado Novo that names like Oscar Niemeyer, Affonso Reidy and Lucio Costa dreamt the cities and houses of a new society, one of these Brazilian paradoxes so surprising as the building of reinforced concrete wrapped by the jungle, the integration of Portinari’s blue tiles – linked to the Baroque tradition – to Le Corbusier’s 5 points at buildings like the oldMinistry of Education and Health, in Rio de Janeiro, or Niemeyer’s communist ideology coexisting with the a Getulian dictatorship.
Although supported by a reactionary government, developmental utopias from the 1950s did not only live from Brasília or Pampulha. The Conjunto Pedregulho (1946-1952), in Rio de Janeiro, attests to the architect’s will of building just habitations, integrated to schools and leisure centers and giving them an innovated form, a new structure for an egalitarian society. The social utopia languished in some cabinet of a modernist building made by “candangos” in the cerrado. The form of modernist architecture, on the other hand, survived at large urban centers mostly at home whose luxury is specifically in the clean lines, big glass windows, apparent concrete, integration of the interior and exterior, with everything from the best of the International Style. Our great architects continued to follow the guidebook from modernist architecture, but became disenchanted from the social dream. Thus the reading that I propose, of the anguish of the vine entangled at the throat of the building, of the emptying of a social ideology that was born with the founding of Brazilian modernist architecture, like the anguish of the loss of a twin brother.
The human figure is still present in Alessandra Duarte’s paintings, but they are reduced to miniatures,fragile, with no fiber – in fact, they seem like puppets drawn by lines in architectural projects from the time when they were sketched by hand in order to suggest a notion of scale, but in Alessandra Duarte’s paintings they define a completely distorted scale, with gigantic buildings in comparison to the bodies. The figure’sfragility further reinforces a lamentation, disenchantment.
The scenario is the gardens of luxurious homes of correct architecture, the type of luxury that comes from knowing that good taste matches modernity. These inhabitants, or spectrum of inhabitants from gardens that must have Burle Marx’s brand do not throw parties anymore, they do not serve cocktails in the balcony or tan in the sun. On the contrary, they walk solitarily through their immense gardens, float on their stomachs in the water, as if they had given up and allowed themselves to drown, balance themselves at the edge of gigantic pools, that come back from the 1940s to examine the ruins of the dream of a modernist architecture. Brazil built, keeps building and the nation was consolidated, yet keeping a drastic separation between main house and slave quarters.
Paula Braga, 2011
Coming
“We are the time./We are the famous/metaphor from Heraclitus, the Obscure. /We are the water, not the hard diamond,/the one that is lost, not the one that stands still./We are the river and we are that Greek/that looks himself into the river./His reflection/changes into the waters of the changing mirror,/into the crystal that changes like the fire./We are the vain predetermined river,/in his travel to his sea./The shadows have surrounded him./Everything said goodbye to us, everything goes away./Memory does not stamp his own coin./However, there is something that stays/however, there is something that bemoans.”1
Water, oceans, organically drawn pools built with care. Woodlands, fields and ordered, landscaped gardens. Blue and green. Alessandra Duarte’s works, striking and alluring, wanders through this chromatic pair and through elements that bring to mind aquatic fluidity and the most basic telluric elements, which are strongly linked to the soil from where the green comes from. In the poem, We are the time. We are the Famous (1985), Jorge Luis Borges (1899-1986) already signaled the image as being something adrift, dissolved in reflections or running towards the ocean’s horizontality, which says much about the human condition.
In paintings and drawings, Duarte sometimes merges the green and the blue,resulting in color operations that become the main attraction in works like, 24 de Junho and Já Vou, the later gives title to the São Paulo artist’s solo debut in her hometown. In the first work, Duarte gives red the status of a base color while using it to illuminate, in the upper and central part of the painting, a composition full of horizontal strips. In Já Vou, the green and the light blue are predominant, but the brown from the central figure’s diving goggles creates an interesting focus of attention.
Yes, the human form is very important within the landscapes created by the artist. In both these works, of a generous size – 24 de Junho measures 2 m x 1.30 m – the ocean’s own nature as a harmonic environment that may at any moment be transformed into something unstable is even further altered by the human presence that seems to want to dominate the situation (and, however, such command seems to have fled).
The constructed landscapes gain another reading level in paintings like, Caminhos and All That Baggage...In the first work, the person’s minimal presence succumbs to what has been constructed, like a witness to human ingenuity, while in the second work, it seems intimidated before nature’s advances. “A person born in a seaport has a peculiar education. There is a view of nature’s virtues, of its phenomena, butalso of human ingenuity [...] One becomes accustomed to seeing nature not only as a simple landscape, but rather as an ensemble of phenomena,” highlights the architect, Paulo Mendes da Rocha.
Duarte did not live in a port city, but her undergraduate studies at Bard College(Annandale-on-Hudson, NY) in a mostly typical American campus in its implementation with constructions scattered through vast green spaces and away from New York’s liveliness, made the return to a dry and noisy São Paulo not so routine. “My college was far away from the city, practically in the middle of nowhere. With this, I basically spent four years living within an inhabited forest. Coming back to São Paulo was a great shock, a live through experience in concrete. This difference of environments and the unison of both stayed in my mind,” she says.
This dual dealing between nature and artifice is also greatly perceived in the artist’s new series of paintings and drawings. The buildings seem to gain greater force and the lines, projections and architectural plans, mingle with greater complexity and pulsate with a clear importance in her compositions. Something that comes close to themes from the German artist, David Schnell –seen in SP in the unjust exhibition Se Não Neste Tempo, at Masp, which ended last January and that also brought the great artists, Tim Eitel and Eberhard Havekost, without mentioning Gerhard, and Daniel Richter,among others. The Scottish artist, Peter Doig, the North American, Amy Sillman and the Swedish, Sigrid Sandström also have a strong echo in the young artist’s production.
Manifesting her contemporary pictorial practice with strength, with such work, Duarte renews postulates that great artists like Josef Albers (1888-1976) – master at Black Mountain College, where names like Eva Hesse (1936-1970) and Robert Rauschenberg (1925-2008) – developed some time ago. “We should apply his understating of color to our understanding of him; words, and the attempt to pinpoint diversity, fall short. All that is certain is variability. Albers used to say that no two people pictured the same thing upon hearing the word ‘red.’ Like the controls of language, all of Alber’s precision and system were only a guide to, and a celebration of, mystery. To accept, and revel in, ambiguity, seems the great message of this poetry of the laboratory,” writes Nicholas Fox Weber. Restlessness, mystery and poetry, elements that Alessandra Duarte can handle well.
Mario Gioia
Graduated from ECA-USP (Communication and Arts Schoolfrom the University of São Paulo), in 2011 he was the curator of Presenças (Zipper Galeria), inaugurating the Zip Up project that is designated to new artists. In 2010 he curated, Incompletudes (Galeria Virgilio), Mediações (GaleriaMotor) and Espacialidades (Galeria Central), besides having carried-out the critical follow-up of Ateliê Fidalga no Paço das Artes. In 2009, he was the curator of Obra Menor (Ateliê 397) and Lugar Sim e Não (Galeria Eduardo Fernandes). From 2005 to 2009 he was the arts and architecture reporter and editor from the Illustrada section in the Folha de S.Paulo newspaper, and currently acts in diverse vehicles, like Bravo and Trópico magazines and the UOL portal, besides the Hispanic-Portuguese magazine, Dardo. He is the coauthor of Roberto Mícoli (Bei Editora) and is a part of the group of critics from Paço das Artes.
1.BORGES, Jorge Luis. Poesia.Companhia das Letras, São Paulo, 2009, p.378
2.GIOIA, Mario. Cidades Velhas. Folha de S. Paulo,caderno Mais, 19.abr.2009, p.4
3.DANILOWITZ, Brenda (org.). Josef Albers – Cor e Luz,Homenagem ao Quadrado. Instituto Tomie Ohtake/The Josef & AnniAlbers Foundation, São Paulo, 2009